Esta serie nace de una necesidad de metamorfosis y del estudio de la krisis. Ese estado donde mudar la piel no es una pérdida, sino el mecanismo exacto de supervivencia. A través de exuvias —pieles de serpiente— y la simbología de la mariposa, exploro el desprendimiento como un acto de luz donde el cuerpo reclama una nueva presencia. El proyecto se despliega en un diálogo entre la memoria del trazo y el archivo vivo.

En las litografías, traslado el registro gestual y efímero de mi bitácora diaria a la dureza de la piedra. Es una alquimia donde el rastro del proceso se asienta en el mármol, convirtiendo el cambio constante en un refugio de materia; la intervención del oro consagra este desprendimiento, otorgándole al cuerpo una entidad propia.

Por otra parte, el libro de artista funciona como un velo del pensamiento que precede a la forma; un espacio donde la escritura convive con la voz y el dibujo para documentar el origen de cada imagen. En sus páginas exploro la raíz sánscrita Kri, ese punto de convergencia donde se encuentran la crisálida y el crisol. Piel del Alma consolida, en definitiva, el proceso creativo como un umbral de memoria.

Este proyecto nace de un proceso colectivo y se manifiesta como una resistencia; un cuerpo que ejerce su pulso en la penumbra de la ruina. Encarno una entidad cubierta en barro negro que carga el peso del hierro, portando alas con destellos de ámbar y un casco que proyecta luz desde el interior.

Sostengo el tránsito entre la densidad del metal y la levedad del vuelo, interrumpiendo el silencio para recordar que la transformación surge de memorias compartidas. Este registro no sucede en soledad. Los testimonios de las mujeres con las que trabajé en Oaxaca y San Cristóbal de las Casas son el motor que sostiene la estructura.

La obra se despliega como una fisionomía híbrida. Utilizo la obsidiana para cortar el espacio y proteger el archivo, mientras el ámbar actúa como memoria fósil. Las alas, construidas con telar de corteza y rastro de carbón, remiten a una piel que ha resistido al fuego. Al integrar el casco de hierro al rostro, la capacidad de observar ya no depende de la claridad del entorno, sino que nace del contacto directo entre el metal y la piel.

En el videoperformance, la acción se desplaza hacia el recogimiento. Me sitúo en un círculo de fuego que actúa como escudo; una frontera necesaria para procesar la memoria donde el fuego no destruye, sino que templa la materia antes de la siguiente transmutación. Como sedimento de este proceso, las piezas de hierro y pintura negra quemada fijan el tránsito de una anatomía que muta. Son esqueletos que han abandonado el papel para sostenerse por sí mismos.

En esta acción, utilizo el báculo como una columna vertebral externa. No es un objeto que sostengo; me mimetizo con su verticalidad para fijar un anclaje de identidad sobre el espacio. Hay una integración absoluta entre la madera y la piel. La pieza ordena mi postura y me obliga a habitar el lugar desde una verdad matérica, devolviendo una mirada vigilante que organiza y cuestiona la penumbra. La talla del cóndor y el punto de luz articulan una extensión de la visión.

Como instalación, la pieza gravita sobre una base de espejo que duplica su escala y sitúa al espectador en su mismo plano. La cabeza de cóndor y su pupila LED funcionan como un faro que dirige la cadencia de la mirada. El oro actúa aquí como una piel, una membrana que dota de una nueva carga a la materia en bruto. Un sostén que conecta la tierra con la proyección del pensamiento.

La pintura deja de ser una capa superficial para convertirse en una materia que penetra la fibra animal. Utilizo la alpaca como un soporte vivo, una piel que conserva su memoria orgánica y reacciona de forma distinta al pigmento.

Estas piezas devienen como una metamorfosis del paisaje y el cuerpo. El óleo se funde con la textura del tejido, aprovechando la cualidad de la tela que cuelga para transformar la pintura en un objeto tridimensional con la gravedad de un resto corpóreo. Es un retorno a lo primario donde el material dicta la resistencia de la imagen.

Esta obra monumental se plantea como un autorretrato-otro; una topografía de la desfiguración donde el rostro lucha por emerger de la oscuridad. A través del lápiz conté y la integración de pizarra pigmentada con ocre y ácido, construyo una superficie que se descarapela como una piel en estado de sanación.

La obra explora la relación entre el cuerpo y el mineral. La esfera de obsidiana funciona como un espejo oscuro que devuelve una imagen alterada de la identidad. Es un proceso de transmutación agresivo, un ciclo de consumo interno donde la figura se devora a sí misma. El formato monumental no busca la contemplación, sino el desborde y el peso físico del renacimiento.

Exploro la fragilidad como una forma de resistencia matérica. Utilizo rosas secas para trabajar con el residuo de lo orgánico, deteniendo su degradación a través del pigmento blanco.

La pieza registra la capacidad del aire y del tiempo para desvanecer la forma. No hay un afán de preservación, sino de señalar el rastro de la desaparición; un paisaje de lo leve donde la materia orgánica se vuelve costra y sedimento. Es un silencio frente a la saturación: la estructura mínima de un cuerpo que se niega a desaparecer del todo.

Guilt funciona como el registro físico de una carga somática. El cuerpo lidia aquí con el peso de lo que se silencia. La materia se manifiesta a través de una costra de caucho y pigmento rojo que se adhiere a la madera como un residuo visceral; una piel herida que no termina de cerrar.

Es el punto de partida de una investigación sobre la presión y la vulnerabilidad. En esta pieza, el sedimento y la mancha adquieren una densidad física, fijando el momento exacto en que la culpa deja de ser una sensación para convertirse en una costra matérica.

En Snippets, la metamorfosis nace de la fractura voluntaria y la angustia de la fragmentación. El proceso comienza con un acto de destrucción. Rompo mis propios dibujos para desarticular la unidad de la figura y forzar una nueva estructura a través del collage.

Bajo la influencia del vocabulario winnicottiano sobre la integración del yo, estas mujeres fragmentadas lidian con el vacío. Son esquirlas que funcionan como una narrativa de la identidad rota; un acto de desobediencia donde el cuerpo deja de ser una forma cerrada para convertirse en un ensamblaje de partes que intentan volver a sostenerse.